摘要：文章从传统舞台布景的发展历程及艺术规律入手，探究传统戏剧中舞台布景的表现形式及审美内涵，浅析传统舞台布景在空间、构图、色彩、道具等方面与动画创作的联系，以及在动画创作中对氛围制造、情节推动、形象塑造所起到的促进性作用，并为艺术创作提供一些思路和方法。
关键词：舞台布景;戏剧;动画创作
回顾动画艺术的发展历程，不难发现，传统表演舞台上古典程式化的表演宝库一直是动画艺术取之不尽用之不竭的灵感来源，而舞台布景是传统舞台演出除开演员表演外最重要的部分，有助于渲染故事背景、推进故事发展、升华演员情感、烘托演出主题等。相应的，在一部优秀的动画片中，空间、环境及氛围的塑造同样有着举足轻重的地位。相较于动画往往通过镜头运动“强迫”观众，传统舞台却能在广阔舞台上直接抓人眼球，其中成因值得我们探索和借鉴。
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一、传统舞台布景艺术概述
传统舞台布景艺术是在戏剧表演视觉形象的环境实体部分。它与服装、灯光、音效一起，塑造演出的总体形象，充实演员表演，升华剧本思想内涵，给予剧本更生动的可读性，并有着丰富的表现形式。在千年的发展历程中不仅满足了日益“刁钻”的观众的审美需求，而且成为除演员之外最让人津津乐道的部分。
(一)中国戏剧舞台布景
作为中国独有的戏剧形式，历史深远的中国戏曲起初极少使用布景，只用布幔作为简单遮蔽，这主要是由于中国戏曲源于歌舞，这种山野林间的表演艺术没有固定场地，自然不需要布景。剧场最初的发展也甚是艰难，穷苦人家并没有观看的权利，而专为达官贵族设立的临时性“剧院”也只更多考虑了官人们的舒适性，反而忽略了演出者的舞台场地形象。
自宋代以来，文化艺术蓬勃发展，歌舞戏剧等艺术门类从观堂庙宇走入民间，开始有了关于戏台的记载，但对演员表演功力的重视始终甚于其他，而流动性的戏班子也没有经济实力携带复杂的布景装饰，因此在表演时时间和空间的转换多交由演员的唱词交代，“景随人动，人在景在，人离景离”。这也造就了演员身后的戏曲舞台极为简约的效果。
最常出现的便是“一桌两椅”，这始终面朝观众端正放置的道具无所不能，随着演员的表演，一时可作茅草房，一时可作金銮殿。而其他道具也是相同，一鞭便是马上，一枪便到战场。
(二)外国戏剧舞台布景
在西方，最早的剧院布景是古希腊戏剧舞台上的“戏棚”，其作用和我国古代类似，只为遮蔽杂乱的后台，但很快被引起重视，加以绘画和装饰，并出现立体布景如山石、祭台等。中世纪开始流行“同台(场)多景”的舞台布景形式。到了文艺复兴时期，舞台布景继续发展为由平面和侧片构成的体系，并逐渐将立体化透视法则运用到舞台上，当时的一些大艺术家如达·芬奇和拉斐尔都参与过工作。17世纪，欧洲盛行的神话题材戏剧促进了舞台机械技术的发展;古希腊的三棱柱景继续被沿用解决换景问题，透视画法与舞台技术相结合，风行了写实布景，产生了侧片体系;在日本的歌舞伎演出中更是出现了手工操纵的转台，天幕、房墙、庭院等均可以活动。19世纪，舞台布景继续向着写实和立体化发展，拱框(镜框)式舞台逐渐成为各国戏剧舞台的主流形式。
在近代舞台布景的发展中，一些舞美艺术家开始反对舞台中的自然主义背景，力求形象单纯概括，借助抽象的立方体、平台、台阶等抽象块面在灯光下造成的变化与观众的想象力营造氛围。此外，还陆续出现了诸如表现主义(利用扭曲的线条与强烈的光影)、立体主义(利用几何形体的组合)、构成主义(利用抽象的骨架构成)、未来主义(表现机械化的速度与力)、超现实主义(描绘艺术家梦境)的布景。
二、舞台布景艺术的内涵
在舞台布景设计中，无论是抽象还是写实风格，舞台整体设计必须在材料、外形、色彩、制作和舞台整体上统一。舞美设计的最基本原则就是在统一中求变化。在统一的环境气氛下，不同的场次可以有不同的意境，对比与和谐共存。
(一)艺术规律
在我国传统戏剧中，舞台美术并不是主角，程式化的“一桌两椅”是最典型的舞台美术形式。随着话剧舞台艺术的发展，戏曲艺术受到话剧艺术影响，舞台美术开始兼顾虚实，带有浓重的写意色彩，“由实生虚，虚中见实”。概括性的背景画面将舞台变为更广阔的时空，一般偏重情感表达，籍由戏剧情感体验产生创造性联想。
西方则强调理性精神和客观因素的认知。贝尔托·布莱希特认为：“布景应该在演员排戏过程中产生，因此在效果上它应该是演员的一个伙伴”，即舞台美术布景设计应当接近于现实，统一于演员、灯光、服饰等。在舞台上，通过演员的表演将原本抽象的布景和道具创造为现实。而戏剧和传统文化审美更是相互关联，“情景交融”的。
(二)审美内涵
舞台布景的形式应当有其独立的审美。爱德华·戈登·克雷认为，“审美是一种特殊的创造活动，是人从精神上把握世界、改造世界的方式之一。”舞台艺术是一种积极主动的向美的探索，美术布景师通过调节色彩、控制节奏、营造时空等手段来制造舞台美的内涵。
舞台布景是吸收力强的艺术，不同的布景师会根据不同的剧本内容，吸收具有特色的艺术来表达戏剧内涵。比如北京人艺1959年排演的《伊索》，采用了大量古希腊元素，巨大石柱和立体雕塑没有使观众感到怪异，反而因此提炼了古希腊的审美情趣，结合故事中充满智慧的寓言更给观众以极大的视觉享受。
一个优秀的舞台布景设计不仅是深化了剧本的内涵，更充分地表达了舞美设计师自身的审美情趣。绘画艺术、材料表现和各种制作手段的运用产生新的审美内涵，达到吸引观众视觉、激发观众感受的目的，舞台布景形式的审美内涵中自有戏剧精神的关键所在。
三、传统舞台布景对动画创作的影响
一部动画片不能只有角色，必然需要一个背景空间来进行表演，动画与传统舞台表演一样，需要设计师对整体环境、氛围作仔细的考量。首先，比较动画与传统戏剧，同样是坐在一个方向观看，布景同样可以写实或写意，甚至是在屏幕上创造的真实空间。
(一)构图空间形式
西方传统的歌舞舞台都不大，因此，舞台布景师们往往借用立体构图和平视构图以及运用具透视感绘制的移动板块，分层叠加，既便于转场搬运方便，又能在有限的画面里传达无限的空间感，简练，概括。
而平视体构图更是一种我国独有的具有传统风格的构图方式，其特点是分层分片：大略分过前中后景，例如后景有背板上的山水画，中景有桌椅若干，前景则有屏风、盆栽一二等等，这所有的形象基本不受透视限制，形象一般是正面或侧面的，例如动画短片《和尚与飞鱼》《父与女》等，简单明确的外形线条，独具装饰意味，不刻意去营造纵深层次，却明了地概括了整个环境特征。
在动画构图设计中，自由度更大，几乎可以不受实景材料、体积的限制。而其中设计理念、目的仍是有极大的相似性：为了表达全局构思框架和整体艺术形式，明确展示和辅助加强剧情冲突、时空背景、人物性格等。传统舞台构图中，独特的将实景简化成最具代表性的样式仍需我们学习：如何以小见大，不喧宾夺主而又创造独具意味的画面感，营造无限的空间美。
(二)色彩与灯光
动画场景氛围同舞台布景相似，不同的色彩、明暗会营造出不同的视觉效果。色彩的强烈心理效果、情绪效果明显地突出了场景氛围，色彩在灯光的帮助下更加生动，将舞台上真真假、虚虚实实统一起来，而灯光照射不到的地方又充分地调动着观众的想象力。
在舞台布景中，色彩的变化如同演员的姿态变化，贯穿于整个演出，明确地表达了剧情的意义。色彩符号的作用早已成为社会共识，拥有极强的象征意义，冷色和暖色，除了冷色有凉爽感、暖色有温暖感以外，更有重量、密度、距离上的差异，狭窄的舞台和动画中的场景，若希望使它变得广阔，显出其宽广来，应使用冷调背景以及明亮灯光，以后退其边缘;纯的红色环境容易给观众以强烈的视觉吸引力，脉搏心跳加快，而淡的蓝色环境则使人心跳放慢，情绪平稳，产生柔软梦幻的联想。电影《梅兰芳》中戏剧镜头大量使用黑色等暗色作主色调，其他颜色只是稍加点缀，马上给人以肃穆的感受，令人心生敬畏，屏息凝神。动画《狮子王》的场景色彩则采用了较多的变化，借助色彩，使观众能同主角辛巴同欢喜，共忧愁，同看自然壮阔，感受“国恨家仇”。再比如儿童动画《鼹鼠的故事》使用简单高明度的背景和明亮的灯光，而宗教短片《大教堂》暗沉的大背景和茫茫的火海断崖很快让人产生神秘的联想。
(三)道具设置的要求
舞台道具是场景和与角色有关物件的总称，包括戏剧演出中所涉及到的一切家具器皿。舞台道具通常可以分作两类：第一类是大道具诸如桌椅、屏风、帘帐，第二类是小道具如茶壶、书本等。舞台道具起到贯穿剧情、加强冲突的作用，特别是带有主题象征意义的道具，例如我国清初作家孔尚任的历史剧《桃花扇》中，一把扇子贯穿始终，激化矛盾，更作为两人纯洁爱情信物在这部厚重的历史剧中显得崇高美丽。
大型道具多为陈设之用，通过造型风格、材质等明确地指明角色所生活的时代环境甚至角色性格爱好等。所以做这些设计时应当仔细考究时代特征、民族特色等，做好角色形象的铺垫。一些随身道具与角色共存在，强化角色形象特征，标识性强，既可以丰富故事的表现结构，也可以成为故事的支点，有时甚至能直接代表角色。而在动画创作过程中，道具的设计在创作初期就应做出完整的策划，并研究道具背后所蕴藏的代表意义。
四、结语
戏剧艺术是人们长期以来在精神文明发展中将各种艺术，如文学、美术、音乐、表演、舞蹈等等融为一体而创造出的历史最悠久的综合性艺术之一。国内外无数经典动画告诉我们：民族的就是世界的，传统艺术可能古老，但其中的审美情趣永不过时。而动画艺术绝不应该是只有花哨的外表，必须具有和戏剧等艺术一样深层次、丰富的内涵，才能在新时代里走得更稳、更远。
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